Звукопись

Музыкант и директор лейбла импровизационной музыки Mikroton Recordings Курт Лидварт выбрал для читателей Colta Club 7 произведений в жанре «саунд-арт», наиболее полно характеризующих это направление в искусстве.

Музыка и саунд-арт мало чем отличаются. Музыканты могут заниматься проектами в области саунд-арта, а саунд-артисты — музыкой. В 1960—1970-х случалась странная путаница: на концертах экспериментальной музыки можно было стать свидетелем звуковых перформансов, или зарождавшейся на тот момент метамузыки, или, как ее теперь называют, электроакустического импрова (ЭАИ), яркого примера переплетения музыкального и художественного в одном. Сейчас уже стало труднее отличать саунд-арт от музыки, в случае с ЭАИ могут возникнуть проблемы, о них я расскажу ниже. В саунд-арте можно найти разные жанры: звуковые инсталляции и скульптуры, работы со звуковой экологией, медиаинсталляции и медиаперформансы — но важнее всего именно работа со звуком, как правило, немузыкальная, ненарративная и линейная, хотя могут быть субъективные пристрастия к отдельным музыкальным параметрам, к тембру.

1. Jean Tinguely — «Homage to New York» (1960)

Звуковая инсталляция, как и звуковая скульптура, — основное произведение саунд-арта, их количество определяется экономическими причинами, часто для создания инсталляции нужно совсем копеечное оборудование, например, пьезодатчики. Концептуально это очень близко к такой модной нынче деятельности, как создание новых музыкальных инструментов, не обязательно похожих на музыкальные инструменты. Создатель кинетических и часто развивающихся во времени звуковых скульптур Жан Тэнгли стоит у истоков этого жанра, так же как братья Баше или Гарри Бертойя. «Посвящение Нью-Йорку» — одна из знаменитых его работ, достаточно музыкальных для времени, когда появился Флюксус и Джон Кейдж с Дэвидом Тюдором занимались шумовыми экспериментами на самопальном электронном оборудовании. Идея о разрушении музыкальных инструментов, в том числе своих собственных, привлекла тогда многих, Энни Локвуд сжигала рояли, Джордж Брехт пошел еще дальше, желая уничтожить музыку, Нам Джун Пайк создавал политические звуковые скульптуры, желая потроллить коммунистов ГДР.

2. Alvin Lucier — «Music for Solo Performer» (1965)

Элвин Люсьер — один из капитанов авангардной американской музыки вместе со Стивом Райхом и Филипом Глассом, но при огромном композиторском багаже его привлекали не только гармония и ритм. В «Музыке для исполнителя соло» впервые сонифицировались мозговые волны и исследовались возможности биологической обратной связи. В дальнейшем к ней вернутся только в 1980-е: например, Майкл Прайм, основатель группы Morphogenesis, будет использовать транслятор биоактивности для сонификации звуков растений и психоделических грибов. Сейчас использование нейроинтерфейсов, похожих на принцип, примененный Люсьером, можно найти в медиаспектакле «Нейроинтегрум», где актер управляет звуковой и визуальной составляющими и так же, как Люсьер, одиноко сидит на стуле.

3. Ryoji Ikeda — «Test Pattern» (2008)

Признанный мэтр саунд-арта и электронной музыки следует путем сонификации данных разной природы — текстовой, числовой, фотографической, видео и научной. «Test Pattern» — одновременно альбом, концертная программа и аудиовизуальная инсталляция с очень важной задачей сенсорного поглощения слушателя-зрителя. Икеда находится на самом дорогом краю саунд-арта, уже на грани с медиаискусством и артетейнментом. Данную работу можно транспонировать на любые помещения: от маленькой галереи до Тейт Модерн.

4. Christina Kubisch — «Electrical Walks» (2004)

С конца 1970-х Кристина Кубиш занимается экологической тематикой саунд-арта, а именно растущим электромагнитным загрязнением городов. Для «Электрических прогулок» она придумала чувствительные беспроводные наушники, с их помощью можно услышать окружающие нас неслышимые электромагнитные волны от микроволновок, роутеров, радарных систем, камер слежения, банкоматов, телефонов, компьютеров, планшетов и прочих устройств. «Прогулки» уже объездили почти весь мир, в 2013 году они приезжали в Москву, для них составили карту с местами, где волны звучат наиболее интересно, хотя все могли следовать на зов невидимого сами.

5. Bernard Leitner — «Sound Field I» (1971)

В отличие от саморазрушающихся звуковых скульптур Тэнгли австрийского художника Бернарда Лайтнера как архитектора по образованию больше интересуют создание новых звуковых пространств и способы обитания в них людей. Лайтнер — создатель классических звуковых инсталляций с динамиками, расположенными строго или в непредсказуемых местах, инициатор экспериментов с многоканальностью. Например, в работе «Звуковой куб» 1969 года можно найти идеи, которые реализуются многими звуковыми художниками по всему миру до сих пор. Могу назвать Марио де Вегу с его инсталляцией «Credo» или Zimoun, только вместо динамиков он использует множество объектов с моторчиками или вентиляторами.

6. Yasunao Tone — «Solo for Wounded CD» (1997)

Отец звукового глитча Ясунао Тоун занимался препарированием компакт-дисков с начала восьмидесятых. После обработки маркерами, скотчем, краской они заедали, прыгали, бывало, крайне непредсказуемо и круто. Неправильное использование оборудования — ключевая идея как музыкантов, работающих в ЭАИ, так и звуковых художников. Препарированные компакт-диски, игра на пустом сэмплере, использование ноу-инпут-микшеров, обратной биологической связи, генеративные звуковые произведения, языки программирования как музыкальные инструменты и так далее — все это появилось или вернулось в новом виде именно тогда. Чуть позже, в девяностые, Маркус Попп из Oval будет препарировать «Selected Ambient Works Volume 2» Aphex Twin'а для своего нового альбома «Systemische». Ошибки компьютерных программ изменили звуковой мир до неузнаваемости, произошла звуковая революция девяностых — появился глитч.

7. Keith Rowe / Sachiko M / Toshimaru Nakamura / Otomo Yoshihide — «ErstLive 005» (2005)

А теперь обещанная проблема. Почему я считаю ее проблемой, уже должно быть понятно. С одной стороны, вроде бы музыка, с другой стороны, слишком линейная, ничего не происходит. На мой взгляд, это пример новой модели звуковых инсталляций. Так же как и звуковая инсталляция, этот концерт длился долго, целых четыре часа. С Кита Роу в далекие шестидесятые началась история ЭАИ; это даже не стиль музыки, а зонтичный термин для совершенно разных подходов — как тихого, ненарративного, линейного и застывшего, так и переполненного звуками, с постоянно меняющейся динамикой: может быть, будет крещендо, а может быть, не будет коды. Решения принимаются спонтанно, ничего не обсуждается, вся музыка или звук держатся на взаимном доверии, единственном действующем в данном подходе коммуникационном клее. Мысль сыграть так исходила именно от Роу, хотя у Сатико М и Отомо Йосихидэ есть похоже звучащий проект Filament, да и Тосимару Накамура может играть так, как будто не играет.

Понравился материал? Помоги сайту!